Stan Ray rencontre Terry Urban

Terry Urban est un artiste, surfeur et passionné de vêtements de travail basé en Californie.

S'inspirant d'une grande variété de sources, ses peintures mélangent l'iconographie américaine classique avec un style lâche et superposé pour créer un véritable pop art du 21e siècle.

Soucieux d’en savoir plus, nous l’avons rencontré dans son studio pour parler de sa démarche artistique, de son amour du surf et pourquoi les erreurs sont généralement une bonne chose…

Je voulais commencer par vous interroger sur votre atelier et votre installation. Pouvez-vous me parler un peu de l'endroit où vous peignez ? 

Mon atelier est un garage pour deux voitures. Il est assez petit, mais il est mieux que les ateliers que j'ai eus par le passé. Quand je vivais à New York, je vivais dans un studio, donc je marchais sur les œuvres d'art, et elles étaient toujours dans mon champ de vision, donc c'était difficile de m'en éloigner.

Mais ici, le garage est à l'arrière de la maison, donc je peux dessiner ma maison sur mon iPad et déterminer ce que je veux faire, puis aller dans le garage et commencer à le peindre. Je pense que pour moi, il est important d'avoir un espace qui soit à l'écart de ma vie quotidienne, que ce soit à une heure de trajet ou à deux pas de l'escalier.

Alors tu as besoin de cette séparation ?

Je pense qu'il est important que les gens puissent s'en déconnecter. Par exemple, si vous êtes policier ou pompier et que vous devez gérer des situations très énergiques, vous devez pouvoir rentrer chez vous et éteindre vos lumières. C'est pareil pour l'art : vous vous y consacrez constamment, vous êtes créatif toute la journée. Vous devez donc pouvoir éteindre vos lumières lorsque vous sortez de votre studio.

On a souvent cette idée romantique de l'artiste qui souffre à cause de son art dans la misère, qui ne peut pas se déplacer à cause de ses chefs-d'œuvre invendus... mais peut-être que ce n'est pas sain en réalité.

C'est cool de romancer le fait de marcher sur son œuvre, mais je pense sincèrement qu'il est important de faire des pauses. Je peux rester assis à peindre quelque chose pendant six heures, gaspillant de la peinture juste en le refaisant encore et encore, mais parfois il faut faire une pause, s'éloigner et revenir le lendemain, et on voit quelque chose de complètement différent. Il faut avoir un regard neuf. C'est comme quand les gens font de la musique, en écoutant la même boucle de trois minutes pendant les douze heures qui suivent, ça devient redondant.

Êtes-vous le genre de peintre qui travaille sur de nombreux tableaux en même temps, en alternant entre eux, ou travaillez-vous simplement sur un seul tableau à la fois ? Il semble que chacun ait sa propre façon de travailler.

J'aimerais pouvoir travailler comme ça, mais je suis très impatient avec mon travail. J'ai amélioré ma patience. Je pense que le surf m'a aidé à cela, car on attend toujours les vagues, mais j'étais très impatient avec mon travail avant. Avant, je devais terminer un tableau en une journée, peu importe l'heure à laquelle il était, mais maintenant je me dis : « Tu sais quoi, c'est l'heure de la pause », et je m'y remets plus tard.

Donc, maintenant, il me faut environ une semaine pour terminer un tableau, ou peut-être même plus que cela. Mais je n'ai pas un atelier assez grand pour travailler sur huit tableaux à la fois, mais ce serait incroyable.

William De Kooning en est le parfait exemple. Il a peint deux tableaux intitulés The Woman, dont un qui traînait dans son entrepôt depuis sept ans environ, puis il y a eu une étincelle dans une conversation lors d'un dîner avec des amis, et il s'est dit : « Putain ! Je me souviens de ce tableau ! » Il est retourné chez lui, a récupéré le tableau dans le entrepôt et a recommencé à le peindre, et il est maintenant accroché au MOMA. C'est fou.

C'est une énorme pause dans le travail. Votre processus est donc plus court et plus précis ?

Oui, mais il y a aussi des œuvres que je peins par-dessus. Je le fais tout le temps. Certaines de mes œuvres ont de la valeur pour moi et sont personnelles, mais la plupart du temps, je me dis : « Passons à la suivante. » Beaucoup d’artistes ne vendent même pas les originaux. Ils en font des tirages, mais l’original doit coûter 50 000 $ pour qu’ils puissent le vendre, mais je me dis : « Allons-y. Prochaine peinture. » Les œuvres d’art de certaines personnes sont très personnelles, mais je préfère les avoir accrochées au mur de quelqu’un plutôt que de les garder en réserve pendant dix ans.

De retour à votre studio et à votre processus, avez-vous des astuces spécifiques pour exploiter la zone ?

La musique est essentielle. La musique a une énorme influence sur moi. J'ai grandi dans une famille qui écoutait toujours de la musique, j'étais très intéressé par le skateboard, et la musique y joue un rôle important, que ce soit le punk ou le hip-hop.

Le dernier tableau que je viens de faire s'appelle The Well Has Run Dry (Le puits s'est asséché) et il parle de Los Angeles, des incendies de forêt et de l'accord Monterey Plus. Donc, quand j'ai peint cette œuvre qui dégageait une certaine atmosphère, j'ai mis de la musique qui y était similaire. C'est donc Neil Young qui a fait cela. Sa musique a un côté outsider, ancré dans la réalité, mais elle m'a amené là où je voulais aller avec ce tableau.

Et si je veux faire quelque chose de plus agressif, j'écouterai Misfits ou Minor Threat, ou si je fais quelque chose de plus relaxant, j'écouterai du Coltrane ou du Miles.

Vous correspondez à l'ambiance ?

Absolument. C'est comme quand les gens vont faire du sport et qu'ils sont excités. Donc oui, la musique est très importante pour moi. La peinture est comme une thérapie – en fait, c'est une thérapie. Quand je peins, je ne pense à rien d'autre qu'à ce qui se passe à l'intérieur du tableau et à ce que je ressens à ce moment-là – que ce soit de la colère, de l'émotion ou de la politique – donc c'est presque comme entrer en méditation. Il est donc très important de savoir quel genre d'ambiance vous souhaitez dans votre choix musical.

Je lisais des livres sur Basquiat, il y avait une télévision allumée, il y avait de la musique, il lisait un journal et il y avait un livre ouvert. Il y avait toutes ces choses qui l'entouraient à tout moment… mais je ne peux même pas écouter un podcast.

Et tes vêtements ? As-tu une tenue de peintre que tu portes toujours quand tu es en atelier ?

Cela va sembler planifié, mais je porte désormais tous les jours des pantalons de peintre Stan Ray. Je porte des vêtements de travail depuis que je faisais du skate au lycée, et j'ai aussi travaillé pour mon père comme rénovateur de maisons, j'ai donc été charpentier pendant cinq ou six ans. Je porte des pantalons de peintre depuis aussi longtemps que je me souvienne.

Quelles sont les autres étapes de votre routine de peinture ? Savez-vous à l'avance comment les choses vont se passer ou attendez-vous simplement ce qui se passe ?

Parfois, je sais ce que je vais faire en premier. J'ai peut-être déjà fait un croquis sur un iPad, puis je commence à peindre. Mais je dirais que 75 % du temps, je ne suis pas satisfait du résultat, alors je commence à repasser sur des choses. Imaginons que j'ai peint un cheval sur la toile et que je n'aime pas sa composition. Je repeins certaines zones et je crée de nouvelles choses. Et j'ai l'impression que c'est lorsque je fais ce processus que je réalise mes meilleures peintures. Ce sont les erreurs qui les rendent meilleures.

Mon esprit a tendance à trop réfléchir, donc quand je dessine, je suis trop précis. Ensuite, quand je peins et que ça ne marche pas, je peins par-dessus et je peux laisser une tache verte ici ou une tache beige là. Puis, quand je regarde en arrière et que je me dis : « Je n'aurais jamais mis cette tache verte là. » Ces erreurs s'avèrent être la meilleure partie de l'œuvre.

C'est un truc humain, n'est-ce pas ? Quand vous voyez quelque chose qui contient une erreur, comme un morceau de musique dans lequel on a laissé une erreur de studio, cela vous saisit.

Absolument. Je vais vous donner un exemple parfait. Sur « Gimme Shelter » des Rolling Stones, Mary Clayton chante en arrière-plan. Elle hurle à tue-tête et sa voix se brise dans l'un des refrains. On sent sa douleur et on entend Mick Jagger en arrière-plan crier « Wouhou », et je me suis toujours demandé pourquoi.

J'essaie toujours de repérer certains passages de chansons comme celui-là où l'on se dit : « Putain, ils étaient tellement excités qu'ils ont laissé ça de côté. » Je pense que ces erreurs laissées de côté sont très importantes. Un autre exemple est John Lennon et « Hold On ». Il chante quelque chose comme « Hold on Yoko, tout va bien se passer », puis il dit « COOKIE » avec cette voix comme Cookie Monster. Je vais devoir faire des recherches maintenant, mais chaque fois que j'écoute cette chanson, je me dis : « Mais à quoi pensait John Lennon quand il a dit ça ? » C'est tellement bizarre.

Et je pense que ce sont ces objets qui constituent le plus grand attrait de mon travail. Quand les gens me disent : « Je vois ce que tu as fait ici, mais qu'est-ce que c'est que ça là ? » J'aime quand ils se demandent : « Qu'est-ce qui t'a fait penser à ça ? »

Quelle est l'importance de l'aspect physique dans la peinture ? Qu'est-ce qui vous pousse à utiliser de la peinture, de la toile et d'autres matériaux alors que vous pourriez tout faire sur un ordinateur ?

Bien sûr, il est plus facile de créer sur un iPad ou Photoshop. C'est plus rapide, mais il y a moins de processus. C'est idéal pour concevoir et réaliser des produits dérivés ou des couvertures de magazines, mais cette année, je veux surtout commencer à faire plus d'expositions physiques. J'ai quelques œuvres à la LA Art Fair, puis j'en ferai une à Copenhague, puis une à Montréal. Je veux que les gens puissent voir mes œuvres de leurs propres yeux, au lieu de simplement les faire défiler et de les voir sur Instagram. Voir une peinture sur Google Image est une chose, mais en voir une dans la vraie vie est complètement différent.

Vous avez évoqué auparavant le surf : comment la peinture et le surf fonctionnent-ils ensemble ?

C'est comme le beurre de cacahuète et la confiture. Ils fonctionnent si bien ensemble. Il y a une raison pour laquelle il y a tant de surfeurs qui sont des artistes. J'ai l'impression que l'art m'a sauvé la vie, et que le surf l'a rendue encore meilleure. J'ai appris à être plus patient, car tout ce que l'on fait, c'est rester assis dans une file d'attente à attendre les vagues.

Et puis chaque vague est différente. Quand tu vas dans un skatepark, tu connais tous les recoins de ce skatepark, mais avec le surf, chaque vague est différente, donc tu ne sais jamais ce que tu vas avoir. C'est une autre forme de méditation pour moi : tu chevauches la nature, tu fais de l'exercice et tu es assis seul dans l'eau en ne pensant à rien d'autre qu'à attraper une vague. C'est la cerise sur le gâteau.

Parfois, je me sens complètement à court d’idées créatives, mais je plonge dans l’eau pendant une heure, puis je ressors tout excité et puis boum, les idées surgissent à nouveau. Cela amplifie tout mon style de vie pour moi.

 Beaucoup de surfeurs à qui j'ai parlé m'ont dit que c'était « dans le présent ». Il faut vivre dans le présent.

Vous êtes probablement sur une vague pendant dix secondes au maximum, elle est si rapide que vous n'avez qu'une fraction de seconde pour réagir. C'est pourquoi tout le monde dit qu'il faut être dans l'instant présent, parce que c'est le cas ! Vous surfez littéralement sur l'énergie de l'océan. Il n'y a rien de plus spirituel que cela.

Est-ce un sentiment que vous essayez de capturer dans votre peinture : ne pas trop réfléchir et simplement vous laisser porter par le mouvement ?

Pour être honnête, oui. Parfois, je commence quelque chose et je m'y limite, genre : « Voilà ce que j'ai sur mon iPad, voilà ce qui va se passer sur ma toile », mais finalement je me dis : « J'en ai assez de cette toile, je me libère. » Et j'ai l'impression que ce sont ces peintures qui fonctionnent le mieux, plutôt que celles que l'on a planifiées à l'avance.

L'esprit est une chose étrange : parfois vous pouvez profiter de la situation et être super créatif et intelligent, et il y a d'autres moments où il vous retient, que ce soit par peur ou parce qu'il contrôle trop votre propre destin.

Il y a souvent des blocages mentaux qui freinent les gens. Dans ces situations, l'esprit n'est peut-être pas très utile. Même avec l'art, qui est censé être libre et sans limites, il est difficile de ne pas s'inquiéter de ce que les autres vont penser.

Absolument. Si vous regardez d’autres personnes dans leur carrière passée, certaines ont fait quelque chose pendant si longtemps, puis elles ont changé de voie, et ont été expulsées du monde de l’art. De quoi s’agit-il ? Un artiste est censé faire ce qu’il veut. Mais je comprends aussi pourquoi les gens continuent à faire la même chose encore et encore.

Il y a eu des moments où j'aurais aimé pouvoir garder les choses simples et continuer à faire la même chose encore et encore, mais étant donné la façon dont fonctionne mon esprit, j'essaie toujours de trouver de nouvelles façons créatives de peindre une toile différemment. Mon travail change constamment et j'ai l'impression d'apprendre en permanence, que ce soit avec un aérographe, un pastel ou un crayon à l'huile, ou d'essayer un travail artistique minimaliste ou quelque chose d'abstrait. Tout le monde est différent et dans son propre domaine, mais je fais partie de ces personnes qui s'ennuient si elles font la même chose pendant un mois.

Avant de conclure, je voulais vous interroger sur les références culturelles que vous intégrez dans votre travail. D’où viennent ces éléments ? Je sais que certaines personnes aiment garder ces éléments à part et dire : « Je ne peins que des arbres », mais vous adhérez pleinement à l’iconographie de la culture pop.

Je pense que ça commence quand on est enfant. Si on a grandi avec la télé, les publicités et les dessins animés, c'est la raison pour laquelle beaucoup d'artistes de mon âge ou plus jeunes font ce genre de choses, en ajoutant des personnages de dessins animés ou des éléments de la culture pop. Je pense que c'est pour cela que nous sommes attirés par cela, parce que nous avons grandi avec ça.

Je suppose que nous étions bombardés de ce genre de choses. Comme des publicités, des jingles et des petits personnages essayant de vendre de la limonade ou autre chose. Nos têtes sont pleines de ce genre de choses, mais il y a 150 ans, les choses étaient beaucoup moins bruyantes culturellement. Il n'y avait que des arbres !

Absolument. Nous avons tellement de distractions dans la vie que notre esprit est un peu plus complexe qu'avant. Qu'il s'agisse d'un panneau, d'un dessin animé ou de paroles de chanson, j'aime incorporer ces éléments car j'ai l'impression que ces éléments surgissent inconsciemment dans mon cerveau à chaque fois que je peins. Ajouter des éléments de ce genre m'aide à symboliser ce que j'essaie de transmettre, qu'il s'agisse de panneaux occidentaux ou de Porky Pig.

Cela donne également un autre niveau de connexion.

Oui, je reçois des gens qui achètent mes tableaux et qui disent : « La raison pour laquelle j'ai acheté ceci, c'est parce que les paroles sont tirées d'une de mes chansons préférées. » Cela peut être personnel pour eux et signifier quelque chose pour eux. Cela montre que nous sommes des individus partageant les mêmes idées. C'est comme la raison pour laquelle vous devenez amis avec vos amis… vous partagez tous les mêmes intérêts.

Merci Terry !

Questions et réponses de notre ami Sam Waller.