Stan Ray trifft Terry Urban

Terry Urban ist ein in Kalifornien lebender Künstler, Surfer und Arbeitskleidungsliebhaber.

Seine Gemälde schöpfen aus einer Vielzahl von Quellen und vermischen klassische amerikanische Ikonographie mit einem lockeren, vielschichtigen Stil und schaffen so wahre Pop-Art des 21. Jahrhunderts.

Da wir unbedingt mehr darüber erfahren wollten, trafen wir ihn in seinem Studio, um mit ihm über seinen künstlerischen Prozess, seine Liebe zum Surfen und darüber zu sprechen, warum Fehler meistens eine gute Sache sind …

Ich wollte zunächst etwas über Ihr Atelier und Ihre Einrichtung fragen. Können Sie mir etwas über den Ort erzählen, an dem Sie malen? 

Mein Studio ist eine Garage für zwei Autos. Es ist ziemlich klein, aber besser als die Studios, die ich früher hatte. Als ich in New York City lebte, wohnte ich in einem Studio-Apartment, also ging ich über die Kunstwerke und sie waren immer in meinem Blickfeld, also war es schwer, davon wegzukommen.

Aber hier ist die Garage hinter dem Haus, also kann ich auf meinem iPad in meinem Haus zeichnen und mir überlegen, was ich machen möchte, und dann in die Garage gehen und anfangen, sie zu streichen. Ich denke, für mich ist es wichtig, einen Ort zu haben, der von meinem normalen Leben abweicht – egal, ob man eine Stunde zur Arbeit braucht oder nur zwei Stufen die Treppe hinunter.

Sie brauchen also diese Trennung?

Ich denke, es ist wichtig, dass die Leute abschalten können. Wenn man beispielsweise Polizist oder Feuerwehrmann ist und mit energiegeladenen Dingen zu tun hat, muss man nach Hause kommen und abschalten können. Und in der Kunst ist es genauso. Man ist den ganzen Tag über kreativ und arbeitet unentwegt daran. Man muss also abschalten können, wenn man aus dem Atelier kommt.

Oft besteht diese romantische Vorstellung vom Künstler – er leidet im Elend wegen seiner Kunst und kann sich nicht für seine unverkauften Meisterwerke verkaufen … aber vielleicht ist das in Wirklichkeit nicht gesund.

Es ist cool, das Überqueren des eigenen Kunstwerks zu romantisieren, aber ich denke ehrlich, dass es wichtig ist, Pausen zu machen. Ich sitze sechs Stunden da und male etwas, verschwende Farbe, indem ich immer wieder darüberstreiche – aber manchmal muss man eine Pause machen – einfach weggehen und morgen wiederkommen, und man sieht etwas völlig anderes. Man muss einen frischen Blick haben. Es ist wie wenn Leute Musik machen und sich die nächsten zwölf Stunden dieselbe dreiminütige Schleife anhören – es wird überflüssig.

Gehören Sie zu den Malern, die viele Bilder gleichzeitig bearbeiten und zwischen ihnen wechseln, oder arbeiten Sie immer nur eins nach dem anderen ab? Es scheint, als hätte jeder seine eigene Arbeitsweise.

Ich wünschte, ich könnte so arbeiten, aber ich bin sehr ungeduldig bei meiner Arbeit. Meine Geduld ist besser geworden – ich glaube, das Surfen hat dabei geholfen, da man immer auf Wellen wartet, aber vorher war ich sehr ungeduldig bei meiner Arbeit. Früher musste ich ein Bild innerhalb eines Tages fertigstellen – egal, wie spät es nachts war, aber jetzt sage ich mir: „Weißt du was, es ist Pausenzeit“, und dann mache ich später weiter.

Jetzt brauche ich etwa eine Woche, um ein Gemälde fertigzustellen, vielleicht sogar länger. Mein Atelier ist allerdings nicht groß genug, um an acht Werken gleichzeitig zu arbeiten, aber das wäre unglaublich.

William De Kooning ist dafür das perfekte Beispiel. Er hat ein paar Bilder mit dem Titel „The Woman“ gemalt und eines davon lag etwa sieben Jahre lang in seinem Lager, bis es bei einem Abendessen mit Freunden plötzlich zu einem Gespräch kam und er meinte: „Scheiße! Ich erinnere mich an dieses Bild!“ Er ging zurück, holte das Bild aus dem Lager und begann erneut daran zu malen, und jetzt hängt es im MOMA. Es ist verrückt.

Das ist eine riesige Arbeitspause. Ihr Prozess ist also kürzer und präziser?

Ja, aber es gibt auch Stücke, die ich übermale. Das mache ich ständig. Manche meiner Arbeiten haben einen Wert für mich und sind persönlich, aber bei den meisten denke ich mir: „Weiter zum nächsten.“ Viele Künstler verkaufen nicht einmal die Originale – sie machen Drucke davon, aber das Original muss 50.000 kosten, damit sie es verkaufen können, aber ich sage: „Los geht‘s. Nächstes Gemälde.“ Manche Leute haben ein superpersönliches Kunstwerk, aber ich lasse es lieber an jemandes Wand hängen, als dass ich es zehn Jahre lang horte.

Kommen wir nun zu Ihrem Studio und Ihrem Arbeitsprozess zurück: Gibt es irgendwelche besonderen Tricks, mit denen Sie in die richtige Stimmung kommen?

Musik ist der Schlüssel. Musik hat einen großen Einfluss – ich bin in einer Familie aufgewachsen, in der immer Musik gehört wurde, und ich war sehr auf Skateboarding aus, und Musik ist ein großer Teil davon – egal, ob Punk oder Hip-Hop.

Das letzte Gemälde, das ich gerade gemalt habe, heißt The Well Has Run Dry – es handelt von Los Angeles und den Waldbränden und dem Monterey Plus Agreement. Als ich dieses Stück malte, das eine bestimmte Stimmung vermittelte, legte ich Musik auf, die dieser Stimmung ähnelte – und zwar von Neil Young. Seine Musik hat eine Art Underdog-Gefühl, ein geerdetes Gefühl, aber sie brachte mich dahin, wo ich mit dem Gemälde hinwollte.

Und wenn ich etwas Aggressiveres machen möchte, höre ich mir Misfits oder Minor Threat an, und wenn ich etwas Entspannenderes mache, höre ich etwas Coltrane oder Miles.

Du passt zur Stimmung?

Absolut. Es ist, als würden die Leute trainieren gehen und sind aufgedreht. Also, ja, Musik ist für mich sehr wichtig. Malen ist wie Therapie – eigentlich ist es Therapie. Wenn ich male, denke ich an nichts anderes als daran, was in dem Bild vor sich geht und was ich in dem Moment fühle – sei das nun wütend, emotional oder politisch –, also ist es fast wie eine Meditation. Es ist also auf jeden Fall wichtig zu wissen, welche Stimmung man mit der Musikauswahl erreichen möchte.

Ich habe Bücher über Basquiat gelesen. Bei ihm lief der Fernseher, es lief Musik, er las Zeitung und ein Buch war aufgeschlagen. Er war die ganze Zeit von all diesen Dingen umgeben … aber ich kann nicht einmal einen Podcast laufen lassen.

Wie sieht es mit deiner Kleidung aus? Hast du eine Maleruniform, die du immer trägst, wenn du im Atelier bist?

Das klingt jetzt wie geplant, aber ich trage jetzt jeden Tag Malerhosen von Stan Ray. Ich trage Arbeitskleidung, seit ich in der Highschool Skater war, und ich habe auch für meinen Vater als Heimwerker gearbeitet, also war ich fünf oder sechs Jahre lang Zimmermann. Ich trage Malerhosen, seit ich denken kann.

Was gehört sonst noch zu Ihrer Malroutine? Wissen Sie, wie die Dinge ausgehen werden, bevor Sie beginnen, oder sehen Sie einfach, was passiert?

Manchmal weiß ich, was ich zuerst machen werde – vielleicht habe ich es bereits auf einem iPad skizziert und dann fange ich an zu malen. Aber ich würde sagen, in 75 % der Fälle bin ich nicht zufrieden damit, also fange ich an, Dinge zu überarbeiten. Nehmen wir an, ich habe ein Pferd auf die Leinwand gemalt und mag seine Komposition nicht, dann male ich bestimmte Bereiche neu und erschaffe neue Dinge. Und ich habe das Gefühl, dass ich bei diesem Prozess das Gefühl habe, meine besten Bilder zu malen. Die Fehler machen sie aus.

Ich neige dazu, zu viel nachzudenken, deshalb bin ich beim Zeichnen zu präzise. Wenn ich es dann male und es nicht funktioniert, male ich darüber und hinterlasse vielleicht hier einen grünen Fleck oder dort einen hellbraunen Fleck. Wenn ich dann zurückgehe und es mir anschaue, denke ich: „Den grünen Fleck hätte ich dort nie hingesetzt.“ Diese Fehler erweisen sich als der beste Teil des Kunstwerks.

Das ist etwas Menschliches, nicht wahr? Wenn man etwas sieht, das einen Fehler enthält – wie ein Musikstück, in dem ein Studiofehler drin geblieben ist –, dann packt einen das irgendwie.

Absolut. Ich gebe Ihnen ein perfektes Beispiel. Bei „Gimme Shelter“ von den Rolling Stones, wo Mary Clayton im Hintergrund singt, schreit sie aus voller Kehle und bei einem der Refrains bricht ihre Stimme – und man kann ihren Schmerz darin spüren und man kann Mick Jagger im Hintergrund „Whoo“ rufen hören, und das habe ich mich immer gefragt.

Ich versuche immer, bestimmte Teile von solchen Songs herauszupicken, bei denen man denkt: „Verdammt, sie waren so begeistert, dass sie das einfach drin gelassen haben.“ Ich denke, diese dringelassenen Fehler sind so wichtig. Ein anderes Beispiel ist John Lennon und „Hold On“. Er singt so etwas wie „Halt durch, Yoko, es wird alles gut“ und dann sagt er „COOKIE“ mit dieser Stimme wie das Krümelmonster. Ich muss das jetzt recherchieren, aber jedes Mal, wenn ich mir diesen Song anhöre, denke ich: „Was zum Teufel hat sich John Lennon dabei gedacht, als er das gesagt hat?“ Es ist so seltsam.

Und ich finde, das ist der größte Reiz meiner Kunstwerke. Wenn die Leute sagen: „Ich sehe, was du hier gemacht hast, aber was ist das da?“, dann gefällt es mir, wenn sie sich fragen: „Wie bist du darauf gekommen?“

Wie wichtig ist der körperliche Aspekt beim Malen? Was hält Sie davon ab, Farbe, Leinwand und ähnliches zu verwenden, wenn Sie alles auch am Computer machen könnten?

Natürlich ist es einfacher, mit einem iPad oder Photoshop zu arbeiten. Es geht schneller, aber es gibt nicht so viele Prozesse. Es ist großartig, um Merchandise oder Magazincover zu entwerfen und zu gestalten, aber mein Hauptanliegen in diesem Jahr ist, dass ich mehr physische Ausstellungen machen möchte. Ich habe einige Stücke auf der LA Art Fair, dann mache ich eine in Kopenhagen und dann eine in Montreal. Ich möchte, dass die Leute meine Kunstwerke mit eigenen Augen sehen können – anstatt nur zu scrollen und sie auf Instagram zu sehen. Ein Gemälde auf Google Image zu sehen ist eine Sache, aber eines im echten Leben zu sehen, ist etwas völlig anderes.

Sie haben vorhin das Surfen erwähnt – wie passen Malen und Surfen zusammen?

Wie Erdnussbutter und Marmelade. Sie passen so gut zusammen. Es gibt einen Grund, warum so viele Surfer Künstler sind. Ich habe das Gefühl, die Kunst hat mein Leben gerettet und das Surfen hat es dann noch besser gemacht. Ich habe gelernt, geduldiger zu sein, denn man sitzt nur in einer Schlange und wartet auf Wellen.

Und jede Welle ist anders. Wenn man in einen Skatepark geht, kennt man jeden Winkel des Parks, aber beim Surfen ist jede Welle anders, man weiß also nie, was einen erwartet. Für mich ist das eine andere Form der Meditation – man reitet auf Mutter Natur, man trainiert und sitzt allein im Wasser und denkt an nichts anderes als daran, eine Welle zu reiten. Das ist das Sahnehäubchen.

Und manchmal habe ich auch keine kreativen Ideen mehr, aber dann springe ich für eine Stunde ins Wasser, komme begeistert wieder raus und dann bumm – die Ideen kommen wieder. Das verstärkt einfach den ganzen Lebensstil für mich.

 Viele Surfer, mit denen ich gesprochen habe, sagen immer, dass man „im Hier und Jetzt“ lebt. Man muss im Hier und Jetzt leben.

Sie sind wahrscheinlich höchstens zehn Sekunden auf einer Welle – sie ist so schnell, dass Sie Sekundenbruchteile Zeit haben, um zu reagieren. Deshalb sagt jeder, man solle im Moment leben – weil Sie es tun! Sie reiten buchstäblich auf der Energie des Ozeans. Spiritueller geht es kaum.

Ist das ein Gefühl, das Sie in Ihrem Gemälde einzufangen versuchen – ohne zu viel nachzudenken und sich einfach darauf einzulassen?

Ehrlich gesagt, ja. Manchmal fange ich etwas an und schränke mich selbst ein – so nach dem Motto: „Das habe ich auf meinem iPad, das kommt auf meine Leinwand“, aber irgendwann denke ich mir: „Ich habe genug von dieser Leinwand, ich lasse mich frei.“ Und ich habe das Gefühl, dass diese Bilder am besten funktionieren und nicht die vorgeplanten.

Der Verstand ist eine seltsame Sache – manchmal kann man die Situation ausnutzen und super kreativ und schlau sein, und dann wieder gibt es Zeiten, in denen er einen zurückhält – sei es aus Angst oder weil er zu sehr das eigene Schicksal kontrolliert.

Oft gibt es mentale Blockaden, die die Leute zurückhalten. In solchen Situationen ist der Verstand vielleicht nicht so hilfreich. Selbst bei der Kunst, die frei und grenzenlos sein soll, ist es schwer, sich keine Gedanken darüber zu machen, was andere Leute denken.

Absolut. Wenn man sich die Karrieren anderer Leute ansieht, sieht man, dass manche Leute eine gewisse Zeit lang etwas anderes gemacht haben, dann sind sie auf etwas anderes umgestiegen und wurden aus der ganzen Kunstwelt rausgeschmissen. Was soll das? Ein Künstler soll tun, was er will. Aber ich verstehe auch, warum Leute immer und immer wieder dasselbe machen – das verstehe ich.

Es gab Zeiten, in denen ich mir wünschte, ich könnte die Dinge einfach halten und immer wieder dasselbe tun, aber so wie mein Verstand funktioniert, versuche ich immer, neue kreative Wege zu finden, um eine Leinwand anders zu bemalen. Meine Arbeit verändert sich ständig und ich habe das Gefühl, dass ich ständig lerne – sei es mit Airbrush, Pastell oder Ölstift – oder mich an minimalistischer Kunst oder etwas Abstraktem versuche. Jeder ist anders und auf seiner eigenen Spur, aber ich gehöre einfach zu den Menschen, die sich langweilen, wenn sie einen Monat lang dasselbe tun.

Bevor wir zum Schluss kommen, möchte ich Sie noch nach den kulturellen Bezügen fragen, die Sie in Ihre Arbeit einfließen lassen. Woher kommt das? Ich weiß, dass manche Leute das gerne separat halten und sagen: „Ich male nur Bäume“, aber Sie beziehen die Ikonografie der Popkultur voll und ganz mit ein.

Ich glaube, das fängt schon in der Kindheit an. Wenn man mit Fernsehen, Werbung und Zeichentrickfilmen aufgewachsen ist, ist das der Grund, warum viele Künstler in meinem Alter oder jünger so etwas machen – sie fügen Zeichentrickfiguren oder Sachen aus der Popkultur ein. Ich glaube, deshalb fühlen wir uns davon angezogen – weil wir damit aufgewachsen sind.

Ich schätze, wir wurden mit diesem Zeug geradezu bombardiert. Wie Werbung und Jingles und kleine Figuren, die versuchten, Limonade oder so etwas zu verkaufen. Unsere Köpfe sind voll von diesem Zeug, aber vor 150 Jahren ging es kulturell viel ruhiger zu. Bäume waren alles, was sie hatten!

Absolut. Wir werden in unserem Leben so oft abgelenkt, dass unser Verstand etwas komplexer geworden ist als früher. Ob es sich um ein Schild, einen Cartoon oder einen Liedtext handelt, ich baue diese Dinge gerne ein, weil ich das Gefühl habe, dass sie beim Malen ständig unbewusst in meinem Gehirn auftauchen. Solche Dinge helfen mir dabei, das zu symbolisieren, was ich rüberbringen möchte – ob es nun Westernschilder oder Schweinchen Dick sind.

Es bietet auch eine weitere Verbindungsebene.

Ja – Leute, die meine Bilder kaufen, sagen: „Ich habe das gekauft, weil der Text aus einem meiner Lieblingslieder ist.“ Das kann für sie persönlich sein und ihnen etwas bedeuten. Es zeigt, dass wir gleichgesinnte Individuen sind. Es ist wie der Grund, warum man mit seinen Freunden befreundet ist … ihr habt alle die gleichen Interessen.

Danke, Terry!

Fragen und Antworten von unserem Freund Sam Waller.